Nirvana - Bleach


Siempre existen esos primeros discos irrepetibles que catapultan la fama de una banda a la estratosfera pero, en muchos casos, por culpa de este suceso repentino, inesperado e intenso la misma queda atrapada en el trasmallo de la popularidad y pierde, por desgracia, el don de hacer buenos discos y con eso llega el fortunio, la desazón de perderse en la nada de lo que fue y no sera.
Solo aquellas bandas que han sabido sortear este escollo y mantenerse son las que con el tiempo el público general termina catalogando, inapelablemente, como una gran banda y de ahí en más pasar a la historia ya sea en la conciencia colectiva de un país, un continente o del mundo entero.
                                      
                                                   
Bleach es el nacimiento, la navidad, el 24 de Diciembre Católico de Nirvana donde se puede encontrar la influencia retorcida de Melvins en esos repiques de bombos y tambores golpeando al unisonó junto a esos apagones constantes de quintas gruesas que se diluyen en tiempos produciendo sensaciones de inestabilidad, desidia y bravura pero la materia prima nirvanezca que está en tácito desde el mismísimo comienzo con Blew como en la mayoría de las canciones de este disco que podrían sonar tanto en In Utero como en “Noimporta”(?) sin ningún tipo de interferencia.

                                                       
Obvio que este disco no fue ni por asomo, a nivel explosión publica, lo que después sucedería con Nevermind, pero con sus seis o siete hits le alcanzo a la banda para empezar a tocar para un grupo reducido de pibes en salones y garajes prestados para llenar, en tan solo un mes, hasta la manija los clubes locales convirtiéndose en un suceso underground en expansión. En resumen Bleach fue algo así como el Big Ban del universo que Nirvana crearía en los próximos 4 años venideros.

              

El disco fue grabado con chirolas de la mejor manera posible, Kurt quien estaba en la lona por decisión propia, tenía varias maquetas diagramadas que se pulieron con ensayos previos y sobre la marcha inspirado en su maldita falta de inspiración y su rabia  intempestiva vomitando frustraciones y desidias de juventud sobre la flora del entramado sonoro que la banda logra en riff hipnóticos y enérgicos que para muchos de sus oyentes son catárticos y de ayuda de como sobrellevar los ataques cotidianos de la miseria, miseria que el mismo Kurt sabia reproducir detrás de los parlantes y aquí el claro ejemplo.
Como dije en un principio no todas las bandas logran sobrevivir artísticamente a su primer buen disco, pero si así fuese, más difícil parece sobrevivir en vida al éxito total de su expresión artística sin morir en el intento.


Charly Garcia - Random


Para aquellos que aun no lo saben les cuento que nuestro astro y tótem del rock argento ha sacado un nuevo álbum. Si señores Charly García está de vuelta y en todo sentido lo digo, de vuelta en un estudio de grabación, de vuelta en los escenarios, de vuelta de la droga, de vuelta en la vida.


Cuando de pedo, en una propaganda de Youtube, escuche La máquina de ser feliz primero pensé que era un skech de un imitador disfrazado en una limusine engañando a la gente pero a medida que transcurría el tema y su bella melodía me mantenía expectante la supuesta humorada se transformo en aceite de oliva extra virgen que este personaje inigualable había producido. Como muchos, no sabía que estaba pergeñando un disco nuevo ni mucho menos, es más, dudaba, por su estado de salud, que pudiese volver a  grabar. Pero bueno, parece que a bigotito mixto no hay que darlo por muerto ni aun vencido y, como a mí, ha tapado la boca a más de un escéptico de sus virtudes llegando a comparar este material con los mejores de su carrera.


Ciertamente existen prejuicios debido al largo prontuario del protagonista pero quiero dejar en claro que este músico ha exprimido otra vez su máxima capacidad de hacer canciones diagramando una gran variedad de tiernas exposiciones como Mundo B, que parece ser un out take de Piano Bar, otras quizás más oscuras como Lluvia y Otro con letras puras y autorreferenciales, y completando el menú, algo que le venía faltando hace rato, canciones alegres, arriba y sencillas como Ella es tan Kubrick, Believe o Primavera apuntalando así todas las estacas de la carpa para que no se tumbe ante las mínima critica incestuosa repartiendo delicias para todos los gustos. 


Obvio que la voz esta algo trabajada con coros femeninos (la hija de Palito “monje tibetano” Ortega), algunos dobles audio y efectos, nada que no hagan otros artistas, pero que más da si solo es eso lo que hay que tolerar para ingresar a este “random” de canciones grabadas en la intimidad de un IPAD apreciándose así sutilezas bien al estilo del autor, cambios increíbles que hacen pensar que no todo está perdido y que Charly viene a ofrecer su corazón, en su faceta mas extrañable desde sus últimos discos (El Aguante, Rock and Roll YO , el olvidable y no oficial Kill Gil) donde prima el descontrol y el martirio para todos nosotros, sus seguidores.Sin lugar a dudas Random es uno de los mejores discos de este 2017, sin dudas uno de los mejores discos Charly, sin dudas Charly lo hizo de nuevo.

Gorillaz - Demon Days


Después de pensar que todo estaba dicho y hecho, mi hijo mayor me recomendó un disco de Gorillaz. Obvio que ya conocía a la banda, a su edad había escuchado el primer disco siendo una fresca alternativa para intercalar la musica hardcore - rock de mi aislada adolescencia sin dinero y sin internet.
La cosa fue más o menos así, en un shopping del sur de la ciudad (a lo Pappo) mi pibe se perdió de vista y cuando lo encontré con una bolsa de "Musigrundo" en la mano, supuse y pregunte - ¿Qué juego de play te compraste? – a lo que me respondió – ¡Ninguno pa! Me compre Demon Days de Gorillaz- Quede perplejo, ni sabia que existia aquel material.


Llegamos a casa y por temas de tiempo tuvimos que esperar hasta el otro día para poner, como en viejas épocas, el Cd.  Él como, si fuera yo con su abuelo en otro tiempos, comenzó a guiar la travesia por la Intro, que por cierto ansioso la salteo ni bien empezó, para caer de panza en una playa animada en Last Living Souls que junto a Kids With Guns, marcando precedentes, se desprenden bastante de la ecuacion hip – hop  + rap dumb que les dio la fama y los aplausos gracias un buen marketing de videos clips e imágenes en MTV. ¿Que paso? Gorillaz trascendió la idea de ser una socarrona burla virtual hacia la industria para transformarse en una banda verdadera, con necesidades, compromisos, seguidores y adeptos por gran parte del globo y por lo tanto lo que era una fantasía se volvió realidad, sus personajes se volvieron tan presentes que prácticamente tomaron vida debiendo forjar un estilo el cual se puede apreciar claramente aqui. 


Coincido plenamente con las opiniones de los artistas, Demon Days pretende un enfoque más directo, con cierta oscuridad del trabajo anterior pero con una personería disciplinada encontrada en un estilo serio, enérgico, vibrante, calmado, mas colorido pero no tan eléctrico gomoso sino mas loopeado con beats  limpios enjuagados en esas dulces y dejadas melodías de voz que levantan la cresta de la ola que viene detrás, un atropello, un sarandazo del planeta Gorillaz que empieza a rodear sensaciones de simpleza y complejidad al mismo tiempo.


Los dos hits Feel Good Inc. and(?) Dare no colapsan al resto de sus compañeros de pista como sucedió con Clint Eatswood y 19-2000 en la primer tirada, es mas, quizás las dos primeras realzan la belleza de los demás como sucede con Dirty Harry, O Green World o Fire Coming Out of the Monkeys Head. Todo encastra cual castillo de Rasty en una mega estructura por demás moderna e innovadora donde todo su arte se fuciona dentro de una presencia auditiva llena de piscas de todo estilo vigente hoy, ya sea esas guitarras planas haciendo riff pseudo rock, esas baterías simples pop o esos bajos morboso hip-hoperos donde todo se apura en planos eléctricos condensados. Al terminar de escuchar tan vivo artefacto agradeci en silencio a Dios de que en esta era digital no tangible, todavía haya gente que compre discos en formato fisico circular. ¡Gracias hijo! Te lo digo por aca pero ya te lo he dicho aquel día....Muy buen disco!!!

Fil Phuse - Argentina


Cuando puse en el buscador de Bandcamp la palabra clave – Argentina- estaba en mi idea  encontrar bandas nacionales que tengan su música dentro de esta enorme plataforma de intranet pero el buscador tiro cualquier cosa y ,para sorpresa, como resultado encontré varios discos extranjeros que llevaban el nombre de mi país. ¿Por qué le pusieron  a su primer disco este nombre? ¿Quién sabe? Lo que creo es que Fil Phuse por alguna razón paso por estas tierras y la cultura le pego justo en el medio del marote, sino no haría otra explicación. Definitivamente algo fuerte debió haber pasado.
 Y no les cabio esquivar la parada y por eso Argentina empieza con el fragmento de una payada que no sé quien carajo la interpreta pero que luego de explayarse y ser cortada queda precisa en el lugar indicado junto a mucho glam y soniditos.
Lo que sigue es un derrotero de hip – hop hermosamente rimado en algunos casos sobre loops de versos de canciones de un profundo folklore como sucede en Voz y mas allá de tener un tema que parezca más mexicano que otra cosa como en Apreciar, la dinámica del disco se muestra entre un tema instrumental con bases y loops y otro rapeado generalmente con un invitado donde hoy está de moda la onda feat o ft abreviado en vez de referirse simplemente con la preposición "con" en referencia a quien los acompaña.


Aquella canción que se encandila con todas las luces del flash es quizás la que lleva el nombre más porteño, sacado de las viseras del léxico actual, la cadente y fuerte Wacho que te hace mover la cabeza tipo en cámara lenta como en esos videos de “nigers” resentidos que andan mostrando sus dólares, sus mansiones, sus autos y todos esos gatos entangados olvidando ni mas ni menos que los lugares de donde vinieron, de donde salieron, a sabiendas que  hay muchos pibes sin morfi en las calles que pueden estar viendo esas imágenes de una conducta dignas para ser analizada por un sociólogo pero bueno aquí me encuentro al ritmo de estos muchachos de los cuales no sé nada y de lo que no se encuentra mucho por ahí pero que sin tener que demostrar nada de lo anteriormente dicho me ha conquistado en parte con su portada, un lugar cálido (vaya a saber donde queda) y esa música de rap “guachesco” que te moviliza por los caminos, no de la ruta cuarenta, sino de la autopista Ezeiza - Cañuelas saliendo de la capital rumbo a las pacientes hectáreas del campo.
 ¿Qué es Fil Phuse? No tengo ni la menor idea, quizás un tipo solo haciendo música en el sofá de su casa o quizás un grupo de locos que les cabe el hip – hop y el house como a mi componer canciones pero lo que si sé es que han hecho este disco desconocido, perdido y misterioso tan misterioso como la gente, la política y la economía del país que inspiro su nombre. 

Queen - A Kind of Magic


Si algo me ha dejado como herencia mi viejo es el gusto por la música y si tendría que definir una etapa de mi infancia a su lado con un disco, mas allá de haber escuchado muchas bandas, una que marco mi recuerdo para siempre fue Queen con esta hermosa obra de arte, A Kind Of Magic. No sé muy bien cómo surgió el enamoramiento de mi papá hacia este disco, quizás fue su fanatismo por la película Highlander (Una mega producción de los años ochenta) donde estos temas son ni más ni menos que la banda sonora o que solo le gustaba Queen y punto. Lo cierto es que no había fin de semana en el que mi viejo no nos queme la cabeza con este disco a mi vieja, mi hermana y a mí.


Si comenzamos del principio debería decir que la portada no dice nada, es más, a mí parecer las caricaturas de los cuatro integrantes da la primera sensación de ser un disco alegre y bailable cosa que no lo es para nada, una portada antagónica con respecto a la temática sentimental épica y medieval en la cual está basado su formato. Y hablando de temática entonces volquémonos a lo que nos importa: Un prefacio introductorio es el puntapié inicial para empezar a rockearla con buen tino en el riff de  One Vision  rodeado de sonidos ochentosos mas que nada con los típicos arreglos de batería sintetizada o electrónica, particularidad que alternara durante todo el álbum en la grabación.


Por lo general el mundo tiende a ensalzar solo al virtuosismo de Freddie por causas obvias y la banda pasa a ser solo una banda de músicos que hace que el sueño se vuelva realidad pero detrás de esta obra se esconde una especie de magia (Cuak) variada que se puede saborear en las composiciones que cada integrante ha realizado  para este disco liberando tensiones artísticas entre unos y otros y dejando en claro que todos sabían  hacer música. Según pude leer el grupo fue llevado a una sala de cine privada donde vio la película y con tan solo una primer mirada, dada la emotividad de la historia, fueron sucediendo ideas que cada uno supo aprovechar y plasmar rápidamente así es como John Deacon (Bajista) se inspiro y logro la histórica One Years Of Love, Brian May (Guitarras) se despacho con la interrogante Who wants To Live Forever y Roger Taylor (Baterista) con aquella canción que más tarde daría  el titulo de este álbum. Obviamente todas interpretadas por la voz del mismísimo Freddie Mercury pero a costas de la sensibilidad compositiva de sus compañeros mas alla que el cantante ha aportado sus canciones (Pain is so closet o pleasure y Friends will be Friends).  



Las obras más pesadas de este álbum conceptual, Don´t Lose Your Head y Gimme The Prize, contienen fragmentos del guion y voces originales de los actores abduciendo automáticamente al espectador a las escenas más tensas de la película Highlander, donde Queen se parece un poco más al Queen setentoso roquero que supo ganar elogios a lo largo de su carrera en el medio y aca es donde se confunde la cosa ya que cuando uno habla de Queen da por sentado que es una banda de rock pero creo que estos ingleses supieron encontrar su estilo en un gran abanico de posibilidades entre lo Pop, la música clásica y el rock, tanto antológico como moderno, y que con el paso del tiempo supo acomodar las piezas a las nuevas tendencias de la época (música disco) y no perderse en la vorágine de la moda para transformarse en la banda que marco la época (valga la redundancia) de los ochenta con mucho virtuosismo, elegancia, carisma y sobre todo mucho laburo buscando la perfección. Obviamente los coros están ahí como siempre agudos y penetrantes.

Tobogan Andaluz - Viaje De Luz


Alguna que otra vez me toca estar nublado en una especie de constipación mental de la que nada creativo puede salir aun cuando algo te despierta ese cosquilleo, esa necesidad. Es horrible cuando descubro una banda que me encanta y las palabras no fluyen por el torrente y ves pasar los días y las horas y las hojas siguen en blanco tanto o más que ayer provocando cierta desazón, pero bueno uno sabe que siempre es así y hay que saber esperar o, como en este caso, tirarse a la pileta con los ojos vendados por pura terquedad y abstinencia. Hoy es un día de esos donde no sale nada pero me veo en la obligación de escribir inspirado en el rebrote primaveral que Tobogan Andaluz y su primer disco Viaje de luz ha germinado con su fly hardcore pop poniendo ritmo a frases de un poeta conurbanezco(¿?) sensible con un acento singular que marca situaciones hechizantes y cotidianas en una voz simpática, suave y algo entregada a lo trival de la música con muy buenos cambios de ritmo marcados precisamente en guitarras suspendidas, la dulce sintonía de los arreglos de bajo y la batería caminera de un terreno ondulante.


No hay tema que se pierda de los rieles, hasta la sentimental Rayo de Luz, que aparenta ser una canción fogonera, se sube a las guitarras semi distorsionadas encontrando siempre en cada canción, de un momento a otro, el alma-estilo con pautas claras y radiantes. Las letras interpretan esperanzas tiernas y dulces, depositadas en mejores amigos, en jugar y andar en bicicleta. Un disco apacible con un gran cumulo de energía enmascarada para ponerlo una y otra vez a reproducir.



Pasada casi media horita de sol con temas como María juega a ser un avión, Un tesoro en la avenida, Siempre sueño las mismas cosas,  ya estás preparado y te amalgamaste a los envistes del sonido que se vuelve mas y mas fraternal al oírlo, se inicia un repentino final, un triste sintetizador (Viaje de luz) da por terminando todo, reduciendo la hechicería a una fragilidad de vidrio por el aire. Un disco que tiene la intensidad y la mezcla justa de lo que hoy está sucediendo, una especie de almacén de especias en la cual se percibe un aroma bellísimo, pasmo y obstinado que gana por completo el ambiente con toda la onda que tiene las bandas nuevas, que supieron armar, como cartoneros, su propio escenario para mostrarse sin tener que depender de nadie mas alla de ellos mismos formando una escena increíble, plagada de este arte musical inmenso, juntándose como cooperativas para lograr un movimiento cultural interesante del cual se desprenden obras de este tipo y muchas otras más.
"Ella no vive en la ciudad, no se aferra al internet. Ella toca el tonebank y anda en bicicleta."

Double Fantasy - John Lennon and Yoko Ono


Cada tanto es necesario revolver un poco los libros de la biblioteca y reorganizar las estanterías para ubicar correctamente las revistas de música por un lado y la literatura fantástica por otro. Así fue que entre pilas de papel impreso encontré un especial de John Lennon, un gran recopilado de entrevistas y fotos de todas sus épocas.  Pese a el gran contenido de las paginas leídas, plagadas de curiosidades e intimidades,  lo que más llamo mi atención fue el sufrimiento que el pobre de John había padecido debido a la crueldad con la que el medio maltrataba, sin ningún motivo relevante, a su señora esposa Yoko Ono y cada tanto, sin que el entrevistador se lo preguntase, lanzaba alguna frase de la realidad que ambos debían atravesar día a día, retratando insultos, agresiones físicas y desvalorización artística entre otras cosas. Todos sabemos que a Yoko se le atribuye ni más ni menos que la separación de The Beatles pero entiendo que aquella famosa afirmación es tan solo un mito de la muchedumbre para tapar los pecados y el cansancio humano que los “dioses” fab four traían consigo de ellos mismos y sus egos. 


Después de una larga travesía como solista, co – equiper y productor de proyectos como la Plastic Ono Band signados por la experimentación con drogas, música, feminismo y la paz mundial, Lennon se choco de frente con la revitalizadora y controversial experiencia de ser padre luego de una etapa de sucesos trágicos y tristes a nivel pareja con Yoko (separaciones, perdida de un hijo y adicciones). Esto produjo un cambio radical  en la concepción de la vida para ambos llevándolos al alejamiento de lo público por más de cinco años, abocados exclusivamente a ser padres. Fue en este lapso temporal en el que un viaje a las Bermudas desperto primero la idea y luego el titulo de un álbum compartido sin interferencias mutuas y una diarrea de bellísimas canciones.


En Double Fantasy conviven sin resquemores dos estilos antagónicos que se dinamizan en el lúdico empalme de una canción cada uno, sin alterar ese orden, dos biosferas diferentes que se devoran mutuamente generando una experiencia refrescante y ligera que lleva a querer el disco en pleno proceso de viaje, obviamente admirando el retorno del rey que demuestra su encanto con canciones que se volvieron clásicos como (Just Like) Staning Over, Im Losing You , Watching the Wells y Woman pero también una busqueda sonora magnifica de alta calidad en los temas interpretados por Yoko Ono (Kiss, Kiss, Kiss – Give Me Something – Im Moving On – Yes, Im Your Angel) que son increíblemente actuales para la época, en una demostración de pura vanguardia que no le teme al miedo del controversial paño del arte.


Pese a que varios productores, inversionistas, fans y músicos preferirían desguazar los temas de Ono hasta lapidarlos en el cementerio de los “Ojala nunca hubieras aparecido”, los artistas decidieron hacerse fuertes en comunión salvaguardándose de las agresiones y las criticas para valorizar esta obra de arte compartida por sobre las masas y los billetes de lo comercial.
Double Fantasy es un disco autorreferencial real  que cuenta el regreso de la relación, el cambio de vida como padres, sus decisiones, su intimidad, sus miedos, su locura, sus celos y dolor, todo al precio de uno.
 Desgraciadamente es el último disco de Lennon antes de partir y a mala gana tendremos que hacernos la idea de que no está, aun tan presente en cualquiera de sus canciones.
Disco para tener en casa y escuchar con buenos auriculares.